昔、人に教えていた頃の話をします。
課題を受け取ると、画面がだいたい同じでした。ピアノロールに初期状態のアコースティックキットで打ち込んだ8小節があって、その上にコードが乗っていて、最後に「これから編曲します」と言って楽器を足していく。順番だけ見れば、間違っているところはひとつもありません。理論の授業で習ったとおりです。
ところが出来上がりが、いつも同じ場所で止まる。曲にはなっているのに音楽ではなくデモに聞こえるんです。本人もわかっています。何が問題かと聞くと、たいてい「ミックスが下手だから」と答える。違います。ミックスの前に、もう決着がついていました。
今日はその決着がどこでついたのかという話です。結論から言うとドラムです。そして、なぜドラムがそこまで重いのかをたどっていくと、作曲と編曲を分けて考える習慣そのものがどこから来たのかというところまで行き着きます。
スタジオでのドラム録音。この光景が当たり前だった時代に、今の作業順序がつくられました / 出典: The Blackbird Academy / CC BY-SA 2.0 via Wikimedia Commons
① みんな同じ順番で始めて、同じ場所で止まる 🥁
見ていた順番は、だいたいこうです。
🔹 1 — DAWを開いてドラムから打ち込む。音色はいじらない。最初からロードされているアコースティックキットのまま、キック・スネア・ハイハットを8小節
🔹 2 — その上にコードを乗せる。ここに一番時間をかける。進行を変え、ボイシングを変え、メロディを乗せる
🔹 3 — 全部できてから「編曲」をする。楽器を足し、ストリングスを入れ、最後にドラムの音色をあれこれ差し替えてみる
3で問題が起きます。ドラムの音色を変えた瞬間、曲が合わなくなる。808にするとコードが詰まりすぎ、ハウスのキットにするとテンポが合わず、ロー・ファイのキットを入れるとストリングスが浮く。結局、最初のアコースティックキットに戻ってきます。戻ってからミックスをいくらやっても音が変わりません。
理由は単純です。1の段階で曲の半分が決まっているのに、その決定を本人が一度もしていないからです。DAWが勝手にロードしてくれたキットがテンポ感と空間感とエネルギーを決めてしまい、あとの作業は全部その上に乗っただけ。最後にドラムだけ差し替えるのは、家を建て終わってから基礎を入れ替えようとするようなものです。
ひとつだけはっきりさせておきます。この順番が間違っているという話ではありません。バンド編成、ジャズ、シティポップのように人が実際に演奏することを前提に書く音楽では、今もこの順番が正しい。譜面で先に整理して、あとから人が音をつくる。それが正常です。問題はそちらではなく、その順番をそのまま今のスタイルの曲に持ち込むところにあります。
ではこの順番はどこから来たのか。生徒が自分で編み出した癖ではありません。もっと古い産業構造から降りてきたものです。
② 作曲家と編曲家が別々にいた理由 🎼
かつて作曲と編曲は、本当に別の人の仕事でした。職業名も別にあり、クレジットも別に刻まれました。
作曲家はメロディとコードを書く。それが曲です。その紙を受け取った編曲家が、どの楽器がいつ何を演奏するかを決めてパート譜をつくり、スタジオに集まった演奏者がそれを読んで弾く。指揮者が立っていて、マイクが何本か立っていて、一度に全員で録る。
1920年代後半、HMVスタジオの録音風景。曲・編曲・演奏・録音が一か所で一度に終わっていた時代です / 出典: Eden Studios / Public domain via Wikimedia Commons
この構造で大事なのは、音色を決める主体が作曲家ではなかったという点です。どのスネアを使うか、シンバルをどれだけ開けるか、キックをどこまで殺すかは演奏者とエンジニアの領分でした。作曲家が紙に書けるのは音高と長さと強弱まで。その先は人が入ってきて埋めていた。
それで分業が成り立ちました。あいだに紙があったからです。紙は音色を載せられない。載せられないから後で埋めるしかない。後で埋める人が別にいた、というだけの話です。
▶ The Wrecking Crew Official Trailer — 1960年代のLAでヒット曲の演奏を一手に引き受けていたセッションチームの話
今もオーケストラ録音はこの方式です。この世界では分業が有効なまま残っています / 出典: Heinz Zeggl / CC BY-SA 3.0 via Wikimedia Commons
ここまでは昔話ではありません。今も劇伴や大編成のセッションはこう回っています。問題は、この構造が別の種類の音楽にまで初期値として残っていることです。学校で習う順番、教則本が説明する順番、「とりあえず曲を書いてあとで編曲」という言い回し。全部この時代の名残りです。
そして、あいだにあった紙が、どこかの時点で消えました。
③ 今は「プロデュース」になっている 🎛️
DAWでつくったファイルがそのまま完成品になった瞬間、紙のやることがなくなりました。
以前はデモを渡せば誰かがちゃんとつくり直してくれた。今はデモがそのままリリースされます。 自宅でつくったファイルがマスタリングだけ通って配信に乗る。途中でつくり直してくれる人はいません。いても呼びません。呼べばその人の音になるからです。
すると、こうなります。
🔹 音色を選ぶことがそのまま編曲になる — どのキックにするかのほうが、どの楽器を足すかより曲を大きく変えます
🔹 編曲が曲のアイデンティティになる — 同じ進行、同じメロディでも、音が違えば別の曲として聞かれます
🔹 だから分離が成り立たない — 曲を書く人が音まで引き受けないと、曲が完成しない
ここは日本と海外で見え方が少し違うところです。日本では今も作詞・作曲・編曲がクレジットに並んで載りますし、アレンジャーという職能もきちんと生きています。なくなったという話ではありません。ただ、作曲とアレンジを同じ人が続けて担当するケースが当たり前になったというのが実感に近いと思います。トラックメイカーやプロデューサーという呼び方が増えたのも、その役割の重なりを言葉が追いかけた結果でしょう。
整理すると、以前は曲 → 編曲 → 音の順に人が交代していた。今はその三つがひとりの中で同時に起きる。順番ではなく、ひとつの仕事になったわけです。
そしてその「音」のまん中にドラムがあります。
④ なぜドラムが半分以上なのか 📊
大げさに聞こえる言い方ですが、分けて見ていくとそうでもありません。
🔹 エネルギーの大半がここに集まります — 曲の中で瞬間的に一番大きい音は、ほぼ必ずキックとスネアです。波形を見ればすぐわかります。リミッターが反応する場所もたいていここ
🔹 帯域を両端から押さえています — キックが低域の床を、ハイハットとシンバルが高域の天井を決める。真ん中に入る楽器の居場所は、この二つが残してくれた分だけです
🔹 テンポとジャンルを先に知らせます — ある曲を1秒聞いただけでジャンルの見当がつくのは、コードのせいではありません。キックの間隔とスネアの位置、そしてその二つの音色のせいです
🔹 聞く人の体が先に反応します — 首を縦に振らせるのは和声ではなくリズムで、そのリズムを運んでいるのが音色です
確かめ方があります。好きな曲を流して、EQで200Hzから下だけ残して聞いてみてください。次に8kHzから上だけ残して聞いてみる。どちらもドラムしか残りません。それでも、どの曲でどんな雰囲気かは聞き取れるはずです。
▶ Rick Beato — The Drum Sound That Defined Rock Music
ある時代の音を決めたのがコード進行ではなくドラムの音色だった、という例は何度も繰り返されてきました。そして、その繰り返しを決定的にした機械があります。
1980年のLinn LM-1。ドラムの音が「サンプル」になったことで、音色選びが作曲の領域に入ってきました / 出典: Linn Electronics / CC BY-SA 3.0 via Wikimedia Commons
演奏者が叩いていた音がボタンの中に入った瞬間、音色は録音現場の問題からつくる人が最初に選ぶ問題に変わりました。ここから先は、選んだ瞬間がもう編曲です。
⑤ 今の音楽はジャンルが音色に入っている 🎚️
実験をひとつ勧めます。キック・スネア・ハイハットだけの単純なパターンをつくっておいて、音色だけ差し替えてみてください。パターンは1音も動かしません。
🔹 アコースティックキット → バンドのデモ
🔹 808のキックでサブが長く伸び、ハイハットが細かく転がる → トラップ
🔹 キックが四つ打ちで、ハイハットがその裏を埋める → ハウス
🔹 スネアの代わりにクラップが来て、キックが短く硬い → ポップス
🔹 キックとスネアをフィルターで削り、ざらついたノイズを足す → ロー・ファイ
同じパターンです。それでジャンルが五つ出てきました。ここに出ているのがこの記事の要点です。今の音楽で、ジャンルはパターンではなく音色に入っています。
▶ Servida Music — Analyzing 20 Genres And Their Unique Drum Patterns
もうひとつあります。808のように音程を持つキックを使うと、キックがベースの役割まで引き受けます。 そうなるとキックのピッチが曲のキーと合っていないといけないし、キックを選ぶことがそのままベースラインを書くことになる。音色の選択が和声の領域まで入ってきたわけです。作曲と編曲を分けて考えていると、この地点を説明する言葉がありません。
原宿の楽器店に並ぶTR-909とTR-808。この2台の音色が、そのままジャンルの名前になりました / 出典: j bizzie / CC BY 2.0 via Wikimedia Commons
では、音色を選ぶというのは具体的に何を見る作業なのか。
⑥ 「いいドラム音源」の基準 🔍
サンプルパックを開くとファイルが数千個あります。ひとつずつ鳴らしているうちに時間がなくなります。基準がないとそうなる。現場で見ているのは、だいたいこの四つです。
🔹 もうミックスが終わっている音か — よくできた市販サンプルは素の録音ではなく、EQ・コンプ・サチュレーションまで通した結果物です。だから乗せるだけで曲になじむ。逆に「加工していない素の音」は、始めたばかりの人には一番扱いにくい素材です
🔹 トランジェントが立っているか — 叩いた最初の瞬間がはっきりしていないと、小さいスピーカーやイヤホンで生き残れません。ここが潰れたサンプルは音量を上げても埋もれます
🔹 尻尾がどれくらい長いか — キックとスネアの余韻の長さが曲のテンポと密度を決めます。速い曲に尻尾の長いスネアを使うとすぐ濁る。遅い曲に短いサンプルを使うと寂しくなる
🔹 音程があるか、あるなら何の音か — キックとタムと808には音程があります。曲のキーとぶつかるとベースが揺れて、原因を見つけるのがとても難しい
▶ Rick Beato — TOP 20 GREATEST DRUM SOUNDS OF ALL TIME
基準が立つと選ぶ時間が短くなります。そして選んだ後が本番です。
⑦ 置き方 — レイヤーと空間 🧱
プロのトラックのキックは、たいてい1個ではありません。役割を分けて重ねます。
🔹 サブ — 40〜60Hz あたりの低音の塊。体で感じる部分で、イヤホンではほとんど聞こえません
🔹 パンチ — 80〜150Hz の胴。キックが「キック」に聞こえる帯域です
🔹 クリック — 2〜5kHz の叩く音。ノートPCのスピーカーやスマホでキックの存在を伝える唯一の部分です
この三つを全部持ったサンプルが一発で見つかるのが一番いいのですが、なければ2〜3個重ねます。スネアも同じで、胴のあるスネアにクラップを重ねて幅を出し、必要なら短いノイズをもう一枚足します。
重ねるときの注意が一点。二つのサンプルの低域が互いに押し合うと、重ねたのに逆に小さくなることがあります。同じ帯域の波形が反対に動いて打ち消し合っている状態ですね。片方の頭を数ミリ秒ずらすか、位相を反転してみれば、どちらが正しいか耳ですぐ判断がつきます。
▶ Servida Music — I'll Teach You EVERYTHING About Layering In 5 Minutes!
残るのは空間です。今のドラムサンプルはたいてい乾いています。そのまま使うと、音が画面に貼りついたように平たい。短いルームリバーブをスネアとハイハットにだけ少しかけると、ドラムが部屋の中に置かれます。キックにはふつうかけません。低域に残響がつくと曲全体がぼやけます。
実際のドラム録音のマイク配置。ソフトでレイヤーを積むのは、この配置を真似る作業です / 出典: Marc Wathieu / CC BY 2.0 via Wikimedia Commons
ここまでが道具の話です。あとはこの道具をいつ使うかですが、じつはそこがこの記事で一番大事な部分です。
⑧ 順番をひっくり返すと作曲が楽になる 🔄
勧める順番はこうです。
🔹 1 — 曲を書く前にドラムの音色から決める。キック・スネア・ハイハットを、その曲で使う音として確定させる
🔹 2 — その音で8〜16小節のグルーヴを仕上げる。ループで流しっぱなしにする
🔹 3 — その上にベースを乗せる。キックとぶつからない場所を探す作業が、もう編曲です
🔹 4 — そのあとでコードとメロディを乗せる
なぜ楽になるのか。選択肢が減るからです。
ドラムのグルーヴが先に確定すると、テンポが決まり、空いている場所が目に見え、曲のエネルギーの水準が決まります。その状態でコードを乗せると「ここに合うコード」が数個に絞られる。逆に白紙からコードを書き始めると、可能な選択が無限にあります。無限の選択の前で人は止まります。生徒がコード進行で何日も迷っていた理由はここにありました。
▶ Metro Boomin — start with your drums first sometimes
この順番に変えると「編曲」という別工程が消えます。ドラムを選んだ時点でもう編曲が始まっていて、ベースを乗せるときも編曲をしていて、コードを入れるときも同じ。作曲と編曲とプロデュースがひと塊で転がっていきます。②で話した分業がなぜ成り立たないのか、ここで実感として入ってくるはずです。
⑨ だからみんな音づくりに時間を使う ⏱️
プロデューサーの作業時間の内訳を覗くと、比率が意外です。コード進行を決めるのにかかる時間より、キックを1個選ぶのにかかる時間のほうが長いことがふつうにあります。1曲でキックを20個くらい差し替える人もいます。
無駄に見えますが、そうではありません。ここまで話したとおり、その選択が曲の半分を決めるので、そこに時間を使うのが合理的なのです。
▶ Kenny Beats: No More BORING Drums
もう一歩進むと自分のキットができます。何曲かつくっていると、いつも戻ってくるキック、いつも使うスネア、毎回同じやり方で積むレイヤーが決まってきます。それをひとつのキットとして保存しておいて、次の曲の出発点にする。
これがプロデューサーのシグネチャーサウンドになります。聞いた瞬間に誰の曲かわかるトラックがありますよね。あれはたいていメロディではなくドラムです。プロデューサータグを曲の頭に差し込む文化も、結局は同じ話です。音そのものが署名になった。
よくある質問
Q. バンドの曲をつくっているのですが、この順番にすべきですか？
A. いいえ。人が演奏することを前提に書く音楽は、従来の順番のままで問題ありません。ただその場合も「どんなドラムの音で録るか」は先に決めておいたほうがいい。結局は同じ話です。音を後回しにしないこと。
Q. アコースティックのドラム音源は使ってはいけませんか？
A. 使って大丈夫です。問題は音源ではなく、何も選んでいない初期値を使うことです。曲に合うキットを選んでルームマイクの比率まで決めたなら、それはもう音色を選んでいます。
Q. サンプルパックはどれを買えばいいですか？
A. ジャンルを絞って買ってください。「万能パック」より、自分がつくりたいジャンル一本に寄せたパックのほうがずっと使えます。そして買ったパックから実際に使うサンプルは、たいてい5個を超えません。その5個を見つけるのが目的です。
Q. ドラムを先につくるとメロディが浮かびません。
A. グルーヴを詰め込みすぎている可能性が高いです。ドラムが隙間を残さないと、メロディの入る場所がなくなります。ハイハットを半分に減らしてみてください。
Q. キックとベースがずっとぶつかります。
A. キックを先に決めたなら、ベースをそのキックに合わせて削るのが順番です。サイドチェインで押さえる方法もあるし、帯域を分けて使う方法もある。どちらにしてもキックが基準という前提は同じです。
まとめ
あのときの生徒に今答えるなら、こう言うと思います。
ミックスが下手だったからではありません。ドラムを最後に選んだことが問題でした。曲を全部書いてから音を着せようとしたので、音を変えられない状態になっていたんです。
作曲と編曲を分けて習ったことは間違いではありません。実際に分かれていた時代があって、その時代にはそれが正しかった。ただ、あいだにあった紙と演奏者が消えました。今は曲を書く人が音まで決めて、音を決めた瞬間がもう編曲で、その全体をプロデュースと呼びます。
だから順番を変えてみてください。ドラムを先に選んで、その音の上に曲を書く。作曲と編曲は順番ではなくひとつの仕事なのだということが、そのとき手でわかるはずです。
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