録音はうまくいったのに、なぜカラオケ音源みたいに聞こえるのか?ボーカルミックス入門 — EQとコンプだけをきちんと(数字で整理)

セッティングどおりに録音までうまくいったなら、次はこんな疑問が湧いてくるはずです。「ちゃんと歌えたのに、オケに乗せるとなぜか浮いて聞こえる…」。これがまさにミックスが必要な瞬間です。そして朗報をひとつ — ボーカルミックスの半分以上は、たった2つのツール、EQとコンプレッサーで解決します。

💡 今日の要点3行
1. EQは「引く」ことから — ローカット80〜100Hz、こもりは200〜400Hzをカット
2. コンプの開始値:レシオ 3:1〜4:1、ゲインリダクション 3〜6dB
3. 順番はカットEQ → コンプ → ブーストEQ

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① ミックス前の準備 — まずフェーダーから 🎚️

プラグインを挿す前に、オケとボーカルの音量バランスから合わせましょう。意外にも「ミックスが変」の半分は、ただの音量問題です。オケを流しながらボーカルのフェーダーをゆっくり上げていき、歌詞がはっきり聞こえ始めたところで止める — そこが出発点です。モニター音量は普段の会話くらいの大きさで。大音量で聴くと何でも良く聞こえて、判断が鈍ります。

② EQとは何か — そして第1段階は「引き算」です ✂️

まず概念からきちんと押さえましょう。EQ(イコライザー)とは、音の特定の周波数帯域の音量だけを選んで上げ下げできるツールです。

私たちが聴くすべての音は、実はさまざまな高さの成分が重なった結果物です。声ひとつにも、土台になる低い成分(低域)、言葉の芯になる中間の成分(中域)、息づかいや輝きのような高い成分(高域)が同時に含まれています。周波数(Hz)はこの成分の高さを表す単位で、数字が小さいほど低い音、大きいほど高い音。オーディオではおおよそ20Hz〜20kHz(人間の可聴範囲)を扱います。

EQはいわば、この成分別ボリュームつまみです。全体の音量を上げ下げするのではなく、「低い成分だけ減らす」「高い成分だけ増やす」ことができる。だから、こもった声からこもりだけを取り除いたり、抜けの悪いボーカルに明瞭さだけを足したりできるわけです。

DAW付属のパラメトリックEQには、つまみが3つあります。

• 周波数(Frequency):どの高さの成分を触るか
• ゲイン(Gain):どれだけ上げ下げするか(dB)
• Q:どれだけ狭く/広く触るか — Qが狭ければピンセット、広ければ筆だと思ってください

概念はこれだけです。さて実践ですが、初心者はEQを「良い周波数を持ち上げる道具」と考えがちなのに対し、プロは逆に使います。問題のある周波数を引くのが先です。

• ローカット(ハイパス):80〜100Hzより下をカットしましょう。この帯域には声の情報がほとんどなく、ランブルだけが住んでいます。ランブル(rumble)とは、エアコンのうなり、マイクスタンドを伝ってきた振動、足音のような超低域の背景振動音のこと。耳にはよく聞こえなくても、ミックスのヘッドルームを食いつぶす主犯です。低い声の男性ボーカルは80Hz、女性ボーカルは100Hzあたりが無難な開始点。
• こもり(マッド)除去:マッド(mud)は文字通り「泥」。音が泥に浸かったようにこもって団子になる現象で、ボーカルではほとんどの場合200〜400Hzに住んでいます。この帯域を2〜4dBほど緩やかに削ってみましょう。ただし削りすぎると声が痩せるので、「こもりが消えた地点」で止めるのがコツです。
• 箱鳴り:狭い部屋で録音した場合、400〜600Hzに箱の中で歌ったような響きが残ることがあります。Qを狭くして問題のポイントを探して削りましょう。

③ ボーカル周波数マップ 🗺️

各帯域の役割を整理するとこうなります。

帯域	性格	処理
〜80Hz	ランブル(情報なし)	ローカット
200〜400Hz	こもり・マッド	2〜4dBカット
1〜3kHz	存在感・明瞭さ	必要なら軽くブースト
5〜8kHz	子音・明るさ / 歯擦音	ブースト or ディエッサー
10kHz〜	エア感・輝き	軽くブースト

この表は正解表ではありません。声によって問題のポイントは違うので、どこを触るべきかを探すコンパスとして使ってください。

④ コンプレッサー:数字から始める 🔧

コンプレッサーは「大きい音は抑えて、小さい音を相対的に持ち上げて」ボーカルの音量を均一にするツールです。オケの上でボーカルが聞こえたり聞こえなかったりする問題を解決してくれます。

各つまみが何をするのか、簡単に整理するとこうです。

• レシオ(Ratio):大きい音をどれくらい強く抑えるかの強度。4:1なら、基準線を4dB超えた音が1dBだけ超えるように抑えられます。数字が大きいほど強く潰れます。
• アタック(Attack):大きい音が入ってきたとき、抑え始めるまでの反応速度。遅めにすると音の最初のアタック感が生きて通過し、速くするとそこまで潰れます。
• リリース(Release):抑えた手を離す速度。遅すぎると次の音まで抑えられたまま苦しくなり、適切なら自然に元の大きさへ戻ります。
• スレッショルド(Threshold):コンプが動き始める基準線。この線を超えた音だけが抑えられ、下にある音には触れません。下げるほど多くの音が潰れます。

開始値はこう設定しましょう。

• レシオ:3:1 〜 4:1
• アタック:10〜30ms(中間)— 速すぎると声のアタック感まで潰れます
• リリース:40〜80ms(中〜速め)— 言葉の合間に針が0へ戻る程度
• スレッショルド:ゲインリダクションメーターが大きい部分で3〜6dB振れるまで下げる

もしこれらの概念が今ピンと来なくても、いったんそのまま進んで大丈夫です。上の開始値をそのまま挿して使っているうちに、ある日「アタックを遅くしたら声が前に出てきた?」という瞬間が来ます。こういうものは文章で理解するのではなく、経験を積みながら耳と一緒に覚えるのがベスト。知識で終わる音楽知識には意味がありません — 実際に挿して、回して、聴いてみてください。

設定後は必ずメイクアップゲインで、減った分の音量を補償しましょう。コンプをかけると音が大きくなって良くなったと錯覚しやすいですが、かける前と同じ音量に合わせて比較しないと正確な判断はできません。

実はコンプレッサーは、ここで紹介した「音量を均す」よりずっと深くて重要な役割を持つツールです。アタックとリリースだけでボーカルのニュアンスやグルーヴまで彫刻できます。ただ、今の段階ではこの程度の知識で十分だと思います。まずは上の開始値で手に馴染ませるのが先ですから。深い話は慣れてきた頃に、改めて扱います。

⑤ EQ第2段階:足し算 — 最後に少しだけ ✨

カットとコンプが終わってから、ようやくブーストの出番です。1〜3kHzを1〜2dB上げるとボーカルがオケを突き抜けて前に出てきて、10kHz以上を軽く上げると上品なエア感が生まれます。原則はひとつ — ブーストはカットより常に控えめに。たくさん上げたくなったら、大抵どこかの削りが足りていません。

⑥ 初心者がやりがちなミス3つ ⚠️

1. ソロだけ聴いて判断する — ボーカルだけソロで聴くと派手に作りたくなります。でもボーカルはオケと一緒に聞こえる音。EQ・コンプの調整は必ず全体のミックスを流しながら。
2. プリセットを鵜呑みにする — 「Vocal」プリセットは他人の声基準です。出発点としてだけ使い、耳で調整しましょう。
3. 一度にたくさん触る — 3dB以上動かしていたら一度手を止めて。ミックスは1〜2dBの積み重ねです。

⑦ Q&A 💬

Q. EQとコンプ、どちらを先に挿すべき?
A. 絶対の正解はありませんが、入門者にはカットEQ → コンプ → ブーストEQの順をおすすめします。問題の周波数を先に整理しておかないと、コンプがランブルやこもりに反応して誤作動するからです。

Q. 無料プラグインでもできますか?
A. できます。DAW付属のEQとコンプで今日の内容はすべて可能です。有料プラグインは「同じことをより快適に」してくれるだけで、基本を代わりにやってはくれません。

Q. いくら触ってもプロの音源みたいになりません。
A. それが普通です。プロの音源は良い録音+ミックス+マスタリング+長年の経験の合算です。録音セッティングがきちんとできているか、まず見直してみてください。ミックスは録音を磨くものであって、作り変えるものではありません。

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おわりに ✍️

今日の内容を一行に圧縮するとこうなります。

「引いて(ローカット・マッド)、均して(3:1、3〜6dB)、最後に少しだけ足せ」

この順番を守るだけで、「カラオケ音源」から「それっぽい音源」までは確実に行けます。質問はコメントでどうぞ。

#宅録 #ボーカルミックス #ミックス初心者 #EQ #コンプレッサー #ゲインステージング #ホームスタジオ #音楽制作 #DTM #DAW

同じマイクなのに、なぜ自分の録音だけ変なのか? 初めてのボーカルレコーディング完全セッティング(距離・角度・レベル)

宅録機材をそろえたなら、ここからが本番です。YouTuberと同じマイクを買ったはずなのに、自分の録音はどこかこもっていて、響いて、ノイズが入る…。結論から言うと、機材のせいではありません。今日ご紹介するセッティングを守るだけで、録音クオリティの80%は解決します。

💡 今日の要点3行
1. 響きは毛布で抑える(部屋はマイクより重要)
2. 口〜マイク 15〜25cm、ポップガードはマイクから5〜8cm
3. 録音レベルは平均 -18dB、ピークが -6dB を超えないように

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① 録音環境 — マイクより部屋が先です 🏠

録音した声が「お風呂場で歌ったように」響くなら、犯人は部屋の反射音です。声が壁や天井に当たって返ってきた音まで、マイクが一緒に拾ってしまうのです。

解決法は意外とシンプルです。

• 背中側とマイクが向く方向に、厚手の毛布や布団を掛けましょう。音の帰り道を塞ぐのがポイントです。
• 服がぎっしり入ったクローゼットを開けて、その前で録音するのも実際のスタジオが勧める方法。服自体が優秀な吸音材です。
• 壁に近づかず、部屋の中央寄りで録音しましょう。壁際ほど反射音が強く入ります。
• エアコン・冷蔵庫・PCファンなどの環境ノイズは録音前に極力オフに。録った後に消すより、最初から入れない方が百倍簡単です。

② マイクの距離と角度 — 数字で覚えましょう 🎙️

プロスタジオが共通して示す基準は明確です。

• 口〜マイクの距離:15〜25cm(約ひと手のひら)
• ポップガード:マイクのカプセルから5〜8cm前(マイクに密着させると効果が落ちます)
• マイクの高さ:口より少し上、鼻の方向を狙って少し下向きに — 息の直撃とリップノイズを減らせます

さらにもうひとつ、角度の秘密があります。マイク正面(On-Axis)は最も明るくクリアな音、横に振るほど(Off-Axis)高域が自然に減衰します。「サ行」の歯擦音が刺さる人は、距離を保ったままマイクを15〜30度だけ横に振ってみてください。距離を詰めて角度だけ変えると、近接効果で低域が膨らんで逆効果になります。

ポップガードがない場合は、ストッキングをハンガーに被せれば応急品が作れます。「ボフッ」という破裂音(パ行・バ行)はミックスでも直せないので、必ず防ぎましょう。

ひとつ強調しておきたいのは、これらの数値は「正解」ではないということです。声のトーン、マイクの特性、部屋の構造まで変数が非常に多く、いちばん良い音が録れるポイント — スイートスポットは人それぞれ違います。ただ、最初から感覚で探すと基準がなく迷子になるので、まずはこのセッティングを出発点にして、録音を重ねながら「自分の声はどこで一番良く聞こえるか」を少しずつ探っていきましょう。経験が積み重なるほど、自分だけの基準ができていきます。

③ 距離による音の変化表 📏

距離	音の特徴	こんな時に
10cm以内	低域が太い親密なサウンド(近接効果)	静かなバラード・ナレーション
15〜25cm	バランスの取れた標準サウンド	ほとんどのボーカル録音 ✅
30cm以上	部屋鳴りが多く入る	ルーム処理された空間のみ

近接効果とは、マイクに近いほど100〜200Hzの低域が3〜6dBほどブーストされる現象です。意図的に使えば武器になりますが、知らずに近づくと「こもり」の原因になります。

④ 録音レベル — 赤ランプが点かなければ安心、ではありません 🎚️

初心者が最もやりがちな失敗が「音は大きく録るほど良い」という思い込みです。デジタル録音でのクリッピング(赤ランプ)は復元不可能なので、余裕を持たせるのが正解です。

基準はこう取りましょう。

1. 曲の中で一番大きく歌うパートを先に歌ってみる
2. そのパートのピークが -6dB を超えないようにインターフェイスのゲインを調整
3. 平均レベルが -18dB 付近に来れば合格

この工程をゲインステージングと呼びます。単に「クリップさせない」だけでなく、後のミックスでEQやコンプなどのプラグインが歪みなく性能を発揮するための基礎工事です。ちなみに、音が小さいからとゲインを上げすぎるとノイズも一緒に大きくなります。ゲインを上げる前に、マイクに一歩近づくのが先です。

⑤ 歌う人もセッティングの一部です 🧍

• 録音中に頭を動かすと音色と音量が揺れます。譜面台をマイクの奥に置いて、視線が固定されるようにしましょう。
• 一発で完璧なテイクを狙うより、同じパートを3〜4回連続で歌って良い部分を繋ぎ合わせる。コンピング(comping)と呼ばれるこのやり方が、プロの基本的な作業方法です。
• 録音は立って行うのがおすすめ。座ると呼吸が浅くなり、声量と音程の安定感が落ちます。

⑥ 録音直後のチェックリスト ✅

1. ヘッドホンで最初から最後まで聴いて、クリップ・ノイズ箇所をチェック
2. ブレスとリップノイズが大きすぎないか確認
3. 問題があればその場ですぐ録り直し — ミックスで救うより歌い直す方が、常に速くて結果も良いです

⑦ よくあるトラブル Q&A 💬

Q. ヘッドホンでモニターしながら歌うと、自分の声がワンテンポ遅れて聞こえます。
A. レイテンシー(遅延)の問題です。DAWのバッファサイズを128サンプル以下に下げるか、オーディオインターフェイスのダイレクトモニタリング機能をオンにしましょう。PCを経由せずマイクの音を直接返してくれるので遅延が消えます。Scarlettシリーズなら本体のDirect Monitorボタンひとつで解決します。

Q. オケ(伴奏)の音がマイクに被って録音されます。
A. 開放型ヘッドホンを使っているか、音量が大きすぎるケースです。録音時は必ず密閉型ヘッドホンを使い、オケの音量は「歌うのに支障がない最小限」まで下げましょう。それでも漏れるなら、片耳だけ着けて反対側を少し外すのも現場でよく使われる方法です。

Q. 歯擦音がきつくて「サ〜」が刺さります。
A. 距離を保ったままマイクを15〜30度横に振ってみてください。それでも残る分はミックスでディエッサー処理しますが、セッティングの段階で減らしておくほどボーカルの自然さが残ります。

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おわりに ✍️

今日の内容を一行に圧縮するとこうなります。

「毛布で響きを抑え、15〜25cmの距離で、ピーク -6dB で録れ」

機材のアップグレードを考える前に、まずこの3つから。同じマイクでもまったく違う結果になることを、最初のテイクで実感できるはずです。

質問はコメントでどうぞ。

#宅録 #ボーカルレコーディング #録音テクニック #マイクセッティング #ゲインステージング #ホームスタジオ #音楽制作 #DTM #ポップガード #オーディオインターフェイス

宅録を始めるなら何から買うべき?覚えるのはたった4つだけ(2026年版)

「自宅で録音を始めたいのに、機材を検索しているだけで一日が終わってしまう…」

宅録(ホームレコーディング)を始めようとする人が、最初に必ずぶつかる壁です。でも実は、必要なものはたった4つだけ。今回は2026年の最新事情を踏まえて、初心者が後悔しない機材の選び方をまとめます。

## 1. まずは全体像から:音はこう流れる

マイク(または楽器)が音を電気信号に変え、オーディオインターフェイスがそれをデジタルに変換してPCへ送り、DAWというソフトで録音・編集して、ヘッドホンで確認する。この流れさえ理解すれば、機材選びは一気に簡単になります。

## 2. オーディオインターフェイス — 最初に、最も重要な一台

入門用として最も定番なのが Focusrite Scarlett Solo(第4世代)です。マイク1本だけならSoloで十分、ギターとマイクを同時に録音したいなら入力が2つある2i2を選びましょう。第4世代はダイナミックレンジが120dBまで向上してノイズが大幅に減り、初心者が最もつまずきやすい録音レベルの調整を自動でやってくれるオートゲイン機能も搭載されています。予算を抑えたいなら、コスパで有名な Behringer U-PHORIA シリーズも選択肢です。

## 3. マイク — 防音していない部屋ならダイナミックが正解

「コンデンサーマイクの方が音が良い」と聞いて買ったものの、隣の生活音まで全部録音されて後悔する…というのは本当によくある失敗です。防音していない普通の部屋なら、正面の音を中心に拾い、生活ノイズを拾いにくいダイナミックマイクが現実的な正解。数十年にわたり定番であり続ける Shure SM58 が代表格です。静かな環境を確保できる人だけ、コンデンサー(例:Audio-Technica AT2020)を検討しましょう。

## 4. ヘッドホン — スピーカーより先に

入門段階では、モニタースピーカーより密閉型モニターヘッドホンが優先です。録音時に音が漏れてマイクに回り込むのを防げますし、近所への騒音の心配もありません。Audio-Technica ATH-M50x、Sony MDR-7506 が長年愛される定番です。

## 5. DAW — 無料で始めても十分

Macユーザーなら無料の GarageBand から始めて、必要になったら Logic Pro へ。Windowsなら Scarlett に付属する Ableton Live Lite や、安価で生涯無料アップデートが有名な REAPER がおすすめです。ちなみに2026年現在、各DAWはステム分離やコード提案などのAIアシスト機能を続々と内蔵しており、どれを選んでも作業スピードは大きく上がります。

## 初心者からよくある質問3つ

Q. USBマイク1本で始めてはダメ?

A. 大丈夫です。ただしUSBマイクはインターフェイスがマイクに内蔵された構造なので、後で楽器録音やマイクのアップグレードをしたくなると、結局インターフェイスを別途買うことになります。「歌ってみたを1〜2回」ならUSBマイク、「続けるつもり」なら最初からインターフェイス構成がおすすめ。

Q. 防音工事を先にすべき?

A. いいえ。入門段階では、厚手の布団をかぶって録音するだけでも反射音は大きく減ります。吸音材は何度か録音して問題を感じてからで遅くありません。

Q. 中古で買ってもいい?

A. ヘッドホンとダイナミックマイクは頑丈なので中古でもOK。一方オーディオインターフェイスは端子の接触不良が起きやすいので、なるべく新品をおすすめします。

## まとめ — 2026年版・入門おすすめセット

- オーディオインターフェイス:Focusrite Scarlett Solo 第4世代

- マイク:Shure SM58(ダイナミック)

- ヘッドホン:Audio-Technica ATH-M50x

- DAW:GarageBand(Mac)/ Ableton Live Lite 付属版(Windows)

この組み合わせなら、おおよそ4〜5万円台で録音からミックスまでできる環境が完成します。まずはここから始めて、不足を「自分で実感してから」アップグレードするのが、お金を無駄にしない一番確実な方法です。

質問はコメントでどうぞ!

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> [作成メモ — 公開前の参考]

> - 画像 #1:添付の signal_chain_ja.png(自作図のため出典表記不要・自由に使用可)

> - 製品写真を追加したい場合は、各ブランド公式サイト(上記リンク)の画像を使用し、出典を明記することを推奨します。

> - 価格帯は日本市場向けに円表記(4〜5万円台)へ調整済みです。

Groove

DTMを始めて制作を続けていくと、ほとんど誰もが一度は同じ壁にぶつかります。

自分が聴いている音楽は確かにワクワクして生き生きしているのに、自分が作る音楽はなぜか固くて面白くない。音が噛み合って動くというより、バラバラに浮いていて、音楽が死んでいるように聴こえることもあります。

初心者はここで悩みます。

いったい何が問題なんだろう？

僕は、この問題の核心は「グルーヴ」だと思っています。

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グルーヴとは何か

音楽を文章で表現するのは本当に難しいです。よく音楽の三要素は「和声・リズム・メロディ」だと言われますが、実はその三つを足しただけで音楽が自動的に“生きる”わけではありません。

なぜなら音楽はそもそも総合的なもので、各要素が互いに影響し合い、有機的につながっているからです。1+1+1が決して3にならない、という感じです。

少し回り道しましたが、ここで僕なりにグルーヴを定義してみます。

グルーヴとは、「音楽の各要素が有機的につながり、ひとつの身体のように動く感覚」です。

グルーヴのある音楽にするには、要素がバラバラに鳴るのではなく、まるで一体となって自然につながっていく必要があります。

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グルーヴを作るためのいろいろな試み（そして、なぜうまくいかないのか）

自分の音楽にグルーヴが足りないと感じると、多くの人はこんなことを試します。

• ドラムのベロシティをダイナミックに編集してみる

• ドラムのタイミングを前後に少しずらしてみる

• スウィングを適用してみる

• 他の曲からグルーヴテンプレートを抽出して、自分の曲に当ててみる

でも不思議なことに、期待したほど良くならないケースが多いです。

「カッコいいと感じた曲のグルーヴ」をそのまま持ってきたのに、自分の曲ではあまり力を発揮しない感じ。

なぜでしょう？

ここで一つ誤解を整理しておきたいです。

演奏者は「揺れるため」に練習しているのではなく、意図したタイミングと意図したダイナミクスを作るために長い時間をかけて鍛えています。つまりプロの“正確さ”は、機械的に拍のど真ん中に合わせることではなく、「意図」に近い。ある音は前に置き、ある音は後ろに置き、ある音は押さえ、ある音は軽く流す——そういうことまで含めてです。

そして、その地点にヒントがあります。

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ヒント：グルーヴはタイミングだけで生まれない

グルーヴは単純に「タイミング（リズム）」だけで決まりません。

どの音が、どんなトーン／サウンドで、どんなタイミングで、どんな音量で、そして他の音とどんな関係を結んでいるか——その組み合わせでグルーヴが生まれます。

整理すると、こういう要素がひとかたまりで動きます。

• サウンド（トーン／質感）

• タイミング（前ノリ／後ノリ／ジャスト）

• 音量（ダイナミクス）

• 音の長さ（特に終わり方）

• 他パートとの相対的な関係（キックとベース、ボーカルと楽器、ハイハットとスネア など）

だから、ベロシティだけを変えたり、タイミングを少しずつ動かしたりしただけで、音楽が急にノれるようになるわけではありません。

グルーヴは「要素ひとつ」ではなく、関係全体から生まれるものだからです。

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すぐ使えるヒント：タイミングより「アタックとリリース」を先に見る

「結局たくさん聴いて経験を積むしかない」という結論は正しい。でも初心者にとっては、あまりに漠然と聞こえることもあります。だからこそ、最低でも一つは確実に効くヒントを渡したいです。

僕はこれから音楽を聴くときも作るときも、タイミングよりアタックとリリースに注目してほしいと言いたい。

その中でも特に、リリース（終わり方）にもっと意識を向けてほしいです。

ここで言うリリースは、単にシンセのエンベロープのReleaseだけではありません。

ドラムのテール、ベースの音の長さ、サンプルが切れる位置、リバーブの余韻、ゲートが閉じる感じまで含めた、「音がどう終わるか」のことです。

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3分実習：リリースだけでもグルーヴは変わる

今作っている曲じゃなくてもOKです。適当なドラムループ／8小節パターンで、まずはこれだけやってみてください。

実習1）キックのリリース（またはテール）だけを変える

• キックを短く（タイト）する vs 少し長く（余韻／低域のテール）する

• キックが長いとベースとぶつかり、短いと空間が生まれます。

  この「空間の有無」がグルーヴを変えます。

実習2）スネア／クラップのテール調整

• スネアを短く切ると「タイトでアグレッシブ」

• テールを少し残すと「後ろにもたれる感じ／余裕」

  特にトリップホップ／ヒップホップでは、この差が大きいです。

実習3）ハイハットの長さ（ゲート）でリズムを変える

• 1/16ハイハットが全部同じ長さだと平坦になりやすい

• アクセント位置のハイハットだけほんの少し長く、他は短く

  これだけで「動くリズム」になります。

タイミングを1ティックも触らなくても、リリースをいじるだけで体が感じるリズムは変わります。

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なぜリリースがグルーヴを変えるのか

グルーヴは「拍の上に置かれた点」ではなく、音同士の衝突や干渉、そして空間の配分として強く感じられます。

リリースはつまり「空間をどう残すか」の問題で、空間が変わるとリズムが変わったように感じます。

例えば——

• キックが長いとベースの居場所が減り

• ベースが長いとスネアのバウンスが死に

• サンプルが長いとボーカルの発音が埋もれる

こうした関係が全部、結局は「グルーヴがあるかないか」として耳に入ってきます。

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MPCの話：なぜあの道具が“グルーヴ”の象徴だったのか

MPCシリーズを触ったことはありますか？今では昔ほど使われなくなりましたが、90年代ヒップホップではMPCはほぼ必須の機材でした（もちろんSP-1200も同じです）。

MPCが評価された理由はいくつもありますが、僕はその大きな理由のひとつが「グルーヴを作りやすいインターフェース」だったと思っています。

MPCはサンプルのアタック／リリース（ゲート／エンベロープ的な性格）やピッチを素早く触れますし、クオンタイズのスウィングも直感的に調整できます。特定の音だけ前に出したり後ろに引いたりする調整も、耳で確認しながらすぐにできる。

そして何より大事なのは、そのプロセスが大きな画面で数値を見る作業ではなく、耳を中心に進めざるを得なかったことです。

その環境が結果的に「グルーヴに集中する」方向へ導いていたのかもしれません。

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今の音楽はもっと機械的なのに、なぜそれでもグルーヴがあるのか

90年代は人が叩いたようなグルーヴが人気だった一方、今はむしろ機械的なタイミングが魅力として機能することも多いです。トラップやドリルを聴けば、その傾向ははっきりしています。

でも、そういう音楽はつまらないのか？まったくそんなことはありません。

彼らは彼らなりのグルーヴを作り出していて、そのグルーヴが耳を引っ張ります。

理由は結局、同じ話に戻ります。

タイミングが機械的でも、サウンドのトーンとアタック／リリース、長さと空間を感覚的に計算してプログラミングしているからです。

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結論：グルーヴで重要なのは「リリース・コントロール」

僕はグルーヴにおいて重要なポイントのひとつが、リリース・コントロールだと思っています。

ボーカルを例にすると、良いボーカルはアタックも良いですが、プロとアマを分ける大きな差は、意外と終わり方に出ます。プロのボーカルは音の終わりを非常に上手く整理します。逆にアマは終わりの処理が甘いことが多い。

音楽も同じです。

音の終わりをどう処理するかが、結果として「生きている感じ」と「固い感じ」を分けます。

だから一度、こうしてみてください。

タイミングを無理に触る前に、サウンドのリリースをほんの少しずつ動かしてみる。

そしてグルーヴがどう変わるか、耳で確かめてみてください。

さあ、今日はスウィング禁止。タイミング編集も禁止です。

代わりに、このチェックリストだけを開いて、5分だけ触ってみてください。

• キックはベースを押しのけているか、それとも空間を作っているか

• スネアのテールは「余裕」を作っているか、それとも「圧」を作っているか

• ハイハットの長さはリズムの方向を作っているか

• ベースは次の拍を侵食しているか、それとも支えているか

この4つが整理できたら、グルーヴはもう始まっています。

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古い問い ― 本当にDAWごとに音は違うのか？

今では誰もがDAWで音楽を作っています。ハードウェアシーケンサーにこだわって制作する人もいますが、結局最終段階ではDAWで録音・編集・ミックスを行うことになります。音楽がデジタルで消費される時代であることもそうですし、DAWは作業を仕上げるための現実的な標準だからです。

近年のDAWは全体的に上位互換が進み、どのプログラムを選んでも音楽制作に大きな支障はありません。ただし各DAWは出発点が異なるため、機能やワークフローに明確な個性があります。

LogicはMIDI／譜面作業がしやすく、Ableton Liveはセッションベースでライブ感覚の制作に強く、Pro Toolsはスタジオ標準としてセッション互換とオーディオ編集が強力です。

確かなことは一つ。どのDAWを使っても音楽は作れます。

あなたが「本物」なら。

ただ今日は機能の話ではなく、多くの人が一度は感じたことのある、あの“体感”について話してみようと思います。

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「Pro Toolsに載せると何かが変わる」という感覚

Pro Toolsのあるスタジオにマルチトラックを持ち込んだことがある人なら、似た経験があるはずです。

「何かが違う。」

特に、Pro Toolsのセッションにトラックを載せたときに感じる空間の広さや、整った印象。この話題はいつも議論になりがちですが、今日は私の経験を通して、その違いが“どこで”生まれた可能性が高いのかを話してみます。

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Logicの音 ― 「くどさ」から始まった疑問

私はLogicを7の頃から使ってきました。Logic 8を使っていた時期に初めて自分の作品をスタジオ（＝Pro Tools環境）に持ち込んで作業したことがありますが、その時は特に気づきませんでした。ところが、スタジオ作業のあと家に戻ってLogicで聴き直した瞬間、馴染みのある音が急に「くどく」感じられたのです。

良く言えばアナログ的な質感、あるいはコンプレッサーが軽くかかったような“詰まった”音。しかし状況によっては、その質感が過剰に感じられることもありました。もちろんこの点は、7→8→9→10とアップデートを重ねるにつれて徐々に改善されたと思っています。

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The City pt.1制作で確信した瞬間

これは2020年にリリースしたEP『The City pt.1』制作時の話です。

当時もシーケンス作業はLogic Proで行い、そのトラックのマルチトラックデータをPro Toolsのスタジオに持ち込みました。ところが、マルチトラックをセッション上に並べた瞬間、違和感を覚えました。全体がやたらとmuddy（濁って）聞こえたからです。

詳しくチェックすると、まるで全トラックの200〜300Hz付近が厚く感じられるような印象がありました。

そのとき私は、各トラックを一つ一つ「バウンス」してマルチトラックデータを用意していました。しかし後になって気づいたのです。

Logicでは、ステムを「エクスポート」で書き出すのと、「バウンス」で書き出すのとでは、結果として違う印象を生むことがある、と。

私が感じた体感は、だいたいこういう方向でした。

• Export（エクスポート）：MIDIデータが比較的「そのまま」オーディオに変換される感覚

• Bounce（バウンス）：Logic内部のミキサー経路の影響をより強く受ける感覚

ここから私の考えは、「DAW間のサウンド差」論争というより、むしろもっと現実的な方向に移っていきました。

同じDAWの中でも、「どう出力するか」でサウンドの印象は変わり得る。

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では、DAWごとに音は本当に違うのか？

私の結論はシンプルです。

はい、違って感じられることはあると思います。

ただ私はこれを「DAWエンジンそのものの差」と断定するよりも、私が実際に体験したように、同じDAWの中でも出力方法（Bounce vs Export）によって結果の印象が変わり得ること、そしてサードパーティ音源のレンダリング過程で生じる微細なタイミング／スタートポイントの差のような現実的な要因が、その体感をより大きくする可能性があると考えています。（もちろん各プログラムの内部処理／エンジンの差の可能性を完全に排除できるわけではありませんが。）

そこで簡単な実験を用意しました。下のスクリーンショットは、Logic内で簡単なMIDIノートを入力し、Logic内蔵の仮想音源で鳴らしたものを内部バウンスした際の画像です。

ご覧のとおり、スタートポイントがずれているのが分かります。

このようなタイミングのズレは、サードパーティ音源を使ったときにさらに顕著になります。下はKompleteの音源でバウンスした際の画像です。

この一見小さく見える「エラー」も、全体のサウンドに影響しているはずだと私は考えています。

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では何を使えばいいのか

結論として、私はどのDAWを使っても構わないと思っています。A/Bテストをしない限り、誰かが音楽を聴いて「これはこのDAWで作った」と当てるのは、ほぼ不可能に近いでしょう。

音の違いはあるかもしれません。でも、それがどうした？ という話です。

その違いが自分の創作活動に大きな支障をきたさないなら、あるいはその違いを自分の音楽の中にうまく溶け込ませられるなら、それは結局「自分の音」になります。自分が使うプログラムが自分の制作スタイルに合っているなら、なおさらです。

エレクトロ系ミュージシャンBTの『Movement in Still Life』は、すべてLogic内でミックスされた楽曲で構成されていることで知られています。しかしその音楽を聴いて「Logic特有の押しつぶされた音」を思い浮かべる人は多くないはずです。結局、音楽は人が作るものです。

みなさんの時間と情熱は限られた資源です。

その限られた資源を証明合戦に使うより、もっと良い曲を作り、もっと多く完成させることに使ってほしいと思います。

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（短いメモ）スタジオにマルチトラックを持ち込む中で得た教訓

• 同じプロジェクトでも、BounceとExportで印象が変わり得る

• ステムの準備方法は「DAW論争」よりも実際の結果に大きく影響する

• 結局大事なのは道具ではなく、完成させて判断する人間だ

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SP1200

出会い

SP1200というサンプラーの存在を初めて分かったのは高校生の頃でした。当時一番好きだったアルバム、DrDreの2001アルバムのジャケットで見ました。

出処：Dr.Dre - 2001

当時は、音楽を作ってみたいという気持ちはあったけど、まだやってなかったので、あれがどういう機材なのかはわかるはずが無かったです。ただし、ジャケットの写真にあるくらいの機材だから、多分彼のプロダクションの中で結構重要なポジションの機材だろうなーと思っただけです。

そして長かった受験も終わり、入りたかった大学にも入学し、予定通り（？）作曲を始めました。そして作曲の勉強と、音響や機材の勉強もやっていったけど、なんか自分の音楽ってリズムが弱いっていうか、自分が聞いてた音楽と一番違うのは「リズム」そして「グルーブ」だと思ってました。今考えたら足りないのはそこだけじゃ無かったと思いますが（笑）多分当時には自分の能力不足をあまり認めたく無かったんじゃないかなと思います。だから、自分の成長より、機材とかにハマってしまったんじゃないかなーと。

とにかく話を戻して、、

ずっと悩みながら、いつの間にかからMPCというサンプラーに興味を持つことになりました。多分今もそうですけど、ヒップホップが好きな人たち全員の憧れの機材だったと思います。そして自分のその中の1人で、なんかあれがあったら自分も立派なグルーブを作れるんじゃないかなと思い、頑張ってバイトして、MPC3000を買うことになりました。

当時買ったMPC3000。今はLEバージョン所持中

当時韓国ではMPCを使う人たちのオンラインコミュニティみたいなのがあったので、そこに加入していろんな人たちを知り合うことになりました。その中の1人は、ヴィンテージの機材にとてもハマっていてすごい珍しい機材をたくさん持ってました。そこで、自分が何年前かにDr。Dreのアルバムでみた機材を、本物を見れました。

SP1200。

それが初めての出会いでした。

それの音はすごかったです。MPC3000とはまた違う圧力。体で感じられる低音、音の力。とてもカッコ良かったと思いましたが、買いたいとは思わなかったです。なぜかというと、彼がいうにはSP1200はグルーブが良くないし、あまり便利じゃないっていってたからです。トラックの概念がないのでもしかして入力する時ミスでもしたら最初からやり直すしかないっていってたかどうか。良く理解はできなかったけど、とにかく「ヒップホップには良くない」という話で理解したし、当時学生だったのでそんなに高い機材を何個も買えるわけでもないし、いつかお金持ちになったら買おうーくらいの感じだったと思います、その後何年か経って、私はプロミュージシャンって言えることになり、自分の部屋にもヴィンテージって言えるくらいの機材が少しずつ増えていきました。もちろんまだその時までは今のようにヴィンテージの機材の値段が高くなる前だったので、機材を買うことにあまり負担はなかったです。また当時はソフトシンセがどんどん流行りになって、持ってた機材を売ってしまおうみたいな雰囲気があったので、機材の値段がどんどん安くなっていった時期でした。そういう理由で、当時買ったいまだに自分の部屋に残っている機材は、今の人たちが聞くとびっくりするくらい安く買ったものたちです。

その中、SP1200も買ってみようかな？と思ってました。当時、SP1200の値段は20万円くらいでしたから、もちろん安い値段ではないけど、今の値段に比べるととんでもないくらい安い値段ですね。

でも、自分にはまだ高いと思ってましたし、あれかってもしかして壊れたらそれから地獄が始まってしまうと思ったので、買うことをやめました。

その後、1−2年後、いきなりヴィンテージの風が吹いてきました。ヴィンテージのアナログシンセはもちろん、MPCなどのサンプラーたちもすごいスピードで値段が上がって、今の値段になっちゃいました。

SP1200も急に値段が上がった機材でした。自分が知ってる限り、最近はもう100万円くらいだと思います。

あ、もう買えなくなってしまったんだと思ってました。SP1200じゃなくSP12でも買っておけば良かったと思ってましたが、もうそれは過去のことになってしまい、そう思っても何も変わらなかったです。

そういうことで、自分はSP1200とかは完璧に忘れて音楽活動をやっていきました。もちろんたまには、すごいLoFiな音が出したかったりする瞬間もあったのですが、自分が持ってるサンプラーやプラグインでなんとなく解決しました。自分が思ってる・聞いたことある「その音」は出せなかったけど、なんとなく似たような音は出せました。

Rossum SP1200のリリース

その後、何ヶ所かの会社からSP1200をモデリングした機材を出してるようでしたが、あまり興味は無かったです。なぜかというと、経験上「何かをコンセプトにしたもの」・「クローン商品」という時点で買っても絶対満足できないはずだよなという確信があったからです。自分もなんか欲しい機材があった時、お金がたりなくてその代替案の機材を買ったりしたことがありますが、結局満足できずに売り、元々欲しかった機材を買うことになる、結局余計にお金を使うことになるケースが多かったので、あまりそういうものたちには興味が無かったです。

その中、Rossumという会社からこういったSP1200がリリースされましたっていうニュースを見ました。デザインもヴィンテージのSP1200と同じ。本当かよく分からないけどオリジナルのSP１２００と同じっていう話を、Youtubeからも聞きました。

でもまだ高いな、、、と思っていました。たしかSP1200の音って独特で魅力的な音だけどあんな値段を払いながらつかうべきか、そして現代の音楽にも使えそうな音かって考えたら、ちょっと違うよなーと思っていました。その値段なら他の機材を買った方が自分お音楽制作に役に立つんだろうなと思い、調べることをやめました。

それからまた２年くらいの時間が経ちました。

やっと、購入

その間、SP1200を含め、ヴィンテージの機材の値段はもっと上がってしまい、多分自分が余裕が十分あったとしてもあんな値段はかわないようなと思うくらいの値段になりましたね。

個人的は、自分のアルバムを制作していましたけど、子供の頃聞いていた「その音」が出したくて苦労していました。自分はもうMPC3000、ASR-10、DSM-1などのヴィンテージのサンプラーがあってあれらで色々試してみたけど。「その音」を出すことには失敗しました。その中、メリハリでASR-Xも買ってきて色々いじってみましたが、確か魅力・個性はある音だけど自分が出したいと思う「その音」とは違ったんです。

急に別の話になるけど、その時期、私はAmerican Sagaというドラマを見ていました。

出処：hulu公式サイト

これはWutangClanの話を基にしたドラマですけど、彼らがまだチームを組んでなかった時期からドラマが始まるのですが、ドラマの中でRzaがSp1200と出会うシーンがありました。

SP1200に惚れてしまった彼は、色々違法なバイト（？）をしながら、SP1200を買えるお金を稼ぎます。色々あるけど結局SP1200を買い、音楽制作にもっと頑張るようになるエピソードがありました。でもドラマの後半になっていくといつの間にかから彼のメインの機材はSP1200ではなくASR10になる感じですけど、、

とにかく、そのシーンを見た自分は忘れていたSP1200への熱情をまた思い出します。そしてまたRossumのSP1200の値段を調べながら、実際にRossum SP1200を使っているビートメーカーさんたちの動画を探したりしました。

過去のこと振り返ってみたら、全ての機材はいつか値段は高くなるんだな。昔はもうちょっと頑張れば買えたはずな機材がどんどん買えない値段になっていくんだなと思い、Rossum SP1200を買うことに決定しました。一括払いするにはちょっと負担がある値段なので、何ヵ月にわけてはることに。

でもかなり高いので、日本までの発送料も高いけど、税金もすごく高かったです。もう税金だけでもちっちゃいシンセを買えるくらい、、、

ダメなことだと知っているけど、私はアメリカにいる友達に自分代わりに受け取って、インボイスに安く値段を書いてもらって、発送も郵便局を使って送ってもらうことにしました。（Rossumから直接送ってもらうとFedexの配達になることもありました。）

もちろんこういう場合、なんかトラブルがあったりすると大変なことになるんですが、、、自分の運を信じて見ようと思いました。

そういう理由でちょっと時間はかかったですが、やっと、SP1200はわたしのところまで届きました。

やっと到着したSP1200

最初のSP1200を見た時、最初の印象は「でか、、、」でした。昔、知り合いのスタジオで見た記憶はあったけどこんなにでかかったっけ、、と思いました。とにかくSP1200に電源をいれ、ケーブルを繋げました。

出処：Rossum公式サイト

SP1200は８個のIndivisual outのそれぞれに違うフィルターが適用されていることで有名です。そしてケーブルを半分くらいだけさしたりするともっと独特な音がでるって。

でもRossumはありがたく、オリジナルと同じOutput(フィルターがかかっているOutput)と、フィルターが適用されていないOutputを作ってくれました。でも私は多分Mix Outしか使わないよなーと思っていましたが、それは大間違いでした。

なぜかというと、一つのアウトプットに一つのサンプルしか出られない、つもり、それぞれのOUTPUTがモノポリーっていうことでした。なので同時に多数のサンプルを出したいとも思ったら、それぞれ別々のアウトプットでだすしかない、、、ってことでした。（最初はこわれたのかな？と思いました）

SAMPLING

一応、SAMPLINGからやってみようと思いました。当時のサンプラーの殆どがそうですけど、SP1200もMonoです。そしてSAMPLINGの最長時間は2.5秒。現代的にはあり得ないスペックですね。この短い時間も再現する必要はなかったんじゃないかなと思います、、、

とにかく、８０−９０年代のHiphopやElectroのミュージシャンたちは、このスペックの限界を乗り越える為に、一つの技を開発します。それは、サンプリングする時には素材をSpeed-Upさせることでした。例えば、レコードの場合RPMを上げて再生するとか。そんな感じでSpeed-Up/Pitch-Upされている素材を、SP1200でまた元々のPitchに戻すことです。そうすると、理論的には低音質になるのですが、とてもかっこいい音になります。

Pitchを変えすぎると高周波数のノイズが発生しますけど、これはフィルターをかけると・かかるとマシになると思います。

音的にはとてもかっこいいけど、サンプルをChopしたりすることはちょっと不便な印象です。当時のプロデューサたちがなぜ結局ASR-10とかMPCシリーズを選んだのか、わかるような気がするところでした。

Sequencing 

じゃ、SP1200はサンプラーでありながら、ドラムマシンですからこれからはプログラミングをやってみます。パターンを（SP1200のシステム上ではSegmentという表現を使います）作って、それで一つのSongに組む形です。これはMPCシリーズやASRシリーズとあまり変わらないのですが、、、

トラックの概念がないです。

トラックなしで、そのままオーバーダビングしていく方式です。もちろん、リアルタイムでERASEボタンを押しながら素材のボタンを押せば、ミスしたノートを消したりできますが、トラックがないってことは相当不便です。そして普段作業する時にはMIx Outにケーブルを繋げておくので、８個のOutput全ての音が聞けます。

でも、実際にはOutputごとに１Voiceのmonopolyのシステムなので、例えば３番のOutputからドラムのループが出てる時、スネアの音も３番Outputに出すと、ドラムのループがミュートされます。

なので、素材のOutput分配も考えながら作業しなければならないのです。

私の場合はSp1200だけで作業することはあまりないと思いますし、複雑な曲をこれで作ることは多分ないと思いますが、最近のサンプラーワークステーションみたいに使うつもりだったら、買っちゃダメだと思います。

SP1200をちゃんと使う為には８個のoutputに全部ケーブルを繋げる必要がありますが、私はMixerもないし、これ以上部屋に何か物を増やしたくないので、MixOutだけ繋げておいて、DAWにレコーディングする時、差し替える感じです。１番から８番まで、フィルターの感じが全部違うので聞いてみながら選びます。

Swing

SP1200もMPCシリーズみたいにGroove Quantizeの機能があります。ですが、Swingの感じが少し使いにくいところがあります。ちゃんと使うとPete RockやJ Dillaみたいなビートになると思いますが、そういうグループを作るのは相当難しいです。

MPCシリーズよりSwingが強めなので一つのこっつがあります。

BPMを二倍にしてシーケンスすることです。

例えば、今作っているビートのBPMが８６であれば、１７２にセッティングしてプログラムすることです。そうしておいてSwingを６７％とか７１％にするとちょうどいいくらいのSwingのグルーブになります。

ですが、

MPCは基本的にノートが自分で基本的に定位の前後へ少しずつ移動し、自然なリズム感を出してくれるのですが、SP１２００はもっと機械的な感じなのでMPCみたいなグルーブには絶対なれないです。やっぱり音もそうですけど、グルーブ感もトレンド・流行りがあると思うし、それは音楽によっても変わると思うので自分で選ぶことだと思います。

ちなみに、あるドキュメンタリーで、初期のTrapのプロデューサーたちがTR808の音を全部SP1200に入れて、８０８デイスクを作ったという話がでますけど、Trap MusicがBoomBapみたいな（理論的にいうと正確じゃない）リズム感じゃなく、機械のような正確なグルーブ感・プログラミングの感じがするのはそういう理由ではないかなと思います。もちろん、TrapのスネアがBoombapのようにSwing感があるスタイルだったら、、、ちょっと想像がつかないのです。

総評

基本的には満足です。

ヴィンテージのモデルを完璧に再現してしまって不便なところもあると思いますが、SDカードが基本的に付いていたり、トータルサンプリング時間がちょっと長めっていうのはいいと思います。

もちろん、、ドラムだけ使うにはやっぱり高い機材だとは思いますし、本体のサイズもでかすぎるし、重い、、、ので調べてみたらSP1200をラックに変換してくれるというサービスがあることを見つけて、今なやんでいるところです。Rackにすると空間的にはマシになると思いますが、Rackになるとボタンを押すことが不便そうで笑

出処：ghostmpc

とにかくSP1200の話はここで終わりです！

「Logic Pro X」 ステップシーケンサー（Step Sequencer）

 

最近、個人的にLogic Pro Xの授業を行なっていますので、ここでもその記録を残そうと思い、投稿します。Logic Pro XというDAWは、凄く長い歴史を持ってるDAWなので、もうたくさんの情報がネット上で溢れてると思います。

でも、最近10.5にバージョンアップし、色んな機能が新しく追加されましたので、新しく追加された機能に関してちょっと投稿してみようと思います。

今日は、ステップシーケンサー（Step Sequencer）の話をしようと思います。

ステップシーケンサーって何？

Step(日本語で言うと一歩）基準でノートを打ち込むシーケンサーの意味です。普通、ノートを打ち込む時、Piano Rollを使うんですが、自由に色んな長さのノートを打ち込めるというメリットがあり、複雑なプレーズを入力する時には凄く便利です。

でも、ドラムを含めた打楽器を入力する時には逆に不便かもしれません。打楽器の入力する時には（一般的に）ノートの長さの調節する必要は無いし、広すぎるPiano Rollが、ドラムとかを入力する時には逆に不便でしょ。

なのでこういうステップシーケンサーを使えば、もっとシンプルで速いスピードで入力することができるようになります。

Roland社のTR808。ステップシーケンサーがついてる

 

ステップシーケンサーを使った時にメリット

ドラムとかの打楽器を打ち込む時には本当に便利です。でも、打楽器だけじゃなく他の楽器の入力の時にも、メリットがあると思います。

作曲家って言っても、いつもインスピレーションで溢れてるものではありません。何か楽曲のアイディアがはっきり浮かんでから作業を始める場合もありますが、ほとんどは「何をしたらわからない」状況多く無いかと思います。皆さんはどうでしょうか。（笑）

とにかく、こういう場合、ステップシーケンサーをいじってみながら遊んでると、そこから何かインスピレーションを受ける可能性があり、アイディアツールとして効果的だと思います。
何も考えずに、めちゃくちゃになってもいいから何とか入れてみましょう。聞きにくい音があったら消しましょう。そこから生まれる音楽もあるはずですから。

ステップシーケンサーを呼び出してみよう！

使い方は簡単です。

ソフトウエアの楽器のプラグインを呼び出して、Arrange Windowにマウスの右側のボタンを押し(ワンボタンのマウスを使ってる方は、control + マウス押しです）、Create Pattern Regionを選びます。 

すると

4小節のリージョンが出てきます。そして下側にステップシーケンサーが現ります。

Arrange Viewの下側の画面

 

左側には、各々のノートの名前が書いてあります。Drum kit designerとか、サンプラーに打楽器を呼び出した時には、こんな感じで音の名前がサンプルの名前とかが表示されますのでわかりやすいです。 名前だけではどういう音かわからない場合、アイコンを押せばそのノートが鳴ります。

今打ち込もうとしてるノートが見えない場合、

 

このボタンを押してください。

Notesのカテゴリーで入ったら、入れようとしてるノートを選べます。ちなみにLabeled Notesに入ったら、サンプルの名前と音の名前とかが表示されるので、名前を見て選ぶこともできます。

こういう方法が面倒くさいと思ったら、Learnボタンを押してからキーボードで入れようと思ってる鍵盤を弾くと、その音のノートが自動的に入ります。

このLearnモードを使ってる時には、このボタンが赤くなりますので、入力が終わったらこのボタンをもう一度押してモードを止めてください。そうしないと、余計なノートが入ってしまいます。

じゃ、これからは本格的にいじってみまよう。

ステップシーケンサーの使い方−１

使い方は本当に簡単です。
空いてるステップの方を一回押したら音の入力、もう一回押したら音を消すことになります。そして一つのステップは、1/16ノートの基準になっています。リズムを1/16以上で打ち込みたいと思う場合は、一応ステップシーケンサーでパータンを作った上で、Midi リージョンに変換して追加的に打ち込むしかないです。（私が知ってる限り）

そして右上側の16stepsって書いてある部分を押すと

 今の小節の分け方を変えられます。

16Stepsは、 １小節を４回繰り返し,
32Stepsは、２小節を二回繰り返し、
64Stepsは、繰り返しなしで４小節を全部編集。

12Steps,24Steps,36Stepsは三拍子のノートを入れる時使うんです。 

４小節以上のパータンを作りたいと思う場合は、もう一つのリージョンを作って編集するしかないです。

  

ステップシーケンサーの使い方−２

 ノートを入れたってだけで音楽は完成できないです。もっと色んな労働があってからこそ立派なリズム、立派な音楽になるはずです。笑

 

じゃ、アイコンの左側の三角形を押してみてください

こういうディスプレイが出てきます。

ここでもっと細かい部分を調節できるのです。

入力したノートの下側で、マウスでドラッグしたりしながらパラメーターを調節してみましょう。

ここでいじるパラメーターを追加したい時には、左下側の＋をボタンを押し、弄りたいと思うパラメーターが出るまでに押し続けてもいいです、、、が面倒くさいと思ったらパラメーターの名前の部分を押すと、

こんな風に選べるパラメーターが出てくるので便利です。

僕的にはVelocity（ノートの演奏の強さ）,Note Repeat(ノートの連射の程度）くらい呼び出していじるんです。ちなみにNote Repeatは、iZotope社のBreakTweakerがなければできなかった連射を簡単にカバーしてくれますので、、最近はBreakTweakerを全然使わないことになりました。iZotope社頑張って、新しいバージョン開発して、、

Tip

ハイヘットとかの連射を入力したいと思う時、Shiftを押したままマウスをクリック＋ドラッグしたら他のノートには触れずに綺麗に入力することができます。

 

 

以上で、ステップシーケンサーの投稿済ませようと思います。

最後で、実際にリズムを作っていく動画を載せながら、終わりにします。